Desde tiempos inmemoriales, la figura del vampiro logró labrarse un lugar en el inconsciente colectivo de millones de personas que escriben, relatan historias o sueñan con estas icónicas criaturas de la noche. En ocasiones, descritos como seres dramáticos, perfectos e inmortales. En otras, como crueles y despiadados monstruos sedientos de sangre. Incluso están aquellos que llegan -literalmente- a brillar, pero mejor no tocar ese tema. Sea como sea, V Rising nos invita a vivir una aventura que pone al linaje carmesí al frente y al centro. Un título cuyas mecánicas giran en torno al ‘crafteo‘, la exploración, la subida de niveles en base a equipamiento, y el consumo de sangre, cuyo balance bien planteado logra que el juego destaque en todos sus aspectos.

En V Rising, la historia la construimos nosotros. Todo comienza con nuestro despertar, luego de crear al vampiro perfecto. Nos alzamos del ataúd luego de años de sueño, debilitados por la inactividad y despojados de nuestros poderes impíos. Nuestro objetivo principal será recuperar esa fuerza de antaño, buscando sangre por las noches y escapando del sol por el día. Será primordial establecer las bases de un asentamiento, para eventualmente erigir un castillo y reinar. Nuestra era ha comenzado.

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La trama de V Rising oficia como una suerte de trasfondo que sirve de base para dar vida a nuestras aventuras. Al fin y al cabo, estamos frente a un juego muy abierto que ofrece la posibilidad de decidir qué sendero transitar, permitiéndonos forjar una épica travesía. Esto no quiere decir que simplemente nos sueltan en el mundo a nuestra suerte. Por el contrario, contamos con dos caminos de progresión donde se nos guiará en el trayecto. El trabajo de Stunlock Studios tiene muchísimo que ofrecer, por lo que resulta indispensable prestar atención a todo el conjunto de mecánicas que poco a poco se introducen en la experiencia.

Lo primero que encontramos son las misiones directas y típicas del género de supervivencia. Recolectar madera para crear un ataúd donde descansar, cazar criaturas salvajes para fabricar vestimentas y juntar piedra que podemos usar para levantar las paredes de nuestro castillo. A medida que completamos estos objetivos, recibiremos recompensas a modo de nuevos planos de construcción, y también aumentará la complejidad de los encargos. Para cumplir con dichas tareas, será necesario navegar por un mapa inmenso lleno de puntos de interés, campamentos enemigos, secretos y recursos a montón.

Aventurarnos por estas tierras no será fácil. Tenemos que tener cuidado de ciertos mecánicas que plantea la jugabilidad, como por ejemplo protegernos del sol que nos reducirá a cenizas en un abrir y cerrar de ojos. Pero como bien lo dijo el Tío Ben, ‘Un gran poder conlleva una gran responsabilidad’, sólo que en este caso, es más bien una debilidad. Porque sí, como vampiros podemos hacer uso de habilidades especiales, pero también tener en cuenta cosas como que el ajo nos inflige un ‘debuff’ o que la plata nos quema. La implementación de estos detalles es realmente exquisita, a la vez que contribuye a crear cierta inmersión. De creernos el cuento de que somos un poderoso ser de las tinieblas, con todo lo bueno y malo que ello conlleva.

En cuanto al sistema de construcción, nos permite establecer nuestra ‘base’, aunque sólo en ciertas locaciones del territorio. Primero tenemos que colocar la piedra fundacional denominada como ‘el corazón del castillo’, y a partir de allí podremos dar forma a un refugio donde descansar y planear cosas maquiavélicas. Este apartado da rienda suelta a nuestra creatividad, ofreciendo la posibilidad de crear un castillo con el que el mismísimo Vlad Tepes moriría de envidia. Podemos elegir decoraciones, estilos de suelo, tamaño de las salas y muchas cosas más. Hermoso. Lo bueno es que si la zona donde empezamos no es de nuestro agrado, podremos cambiar de ubicación -luego de obtener cierta mejora-, sin perder ni una sola pared de nuestra fortaleza en el proceso.

Por supuesto, muchos objetos decorativos y otros significativamente más útiles como armas o armaduras, los podemos conseguir mediante el ‘crafteo’. ¿Quién dijo que la vida de un vampiro era fácil?. Para ello disponemos de distintas instalaciones que sirven para crear y mejorar todo tipo de cosas. Desde mesas de trabajo, hasta refinerías avanzadas, pasando por laboratorios de alquimia y tumbas donde atraer no-muertos para poder hacer uso de sus huesos. Un sistema sumamente completo. Cabe destacar que muchos objetos cuentan con un tiempo de fabricación, lo que en ocasiones puede generar un ‘punto muerto’ en la jugabilidad debido a que estaremos obligados a esperar. Sin embargo, siempre podemos salir a explorar y pasar el rato buscando a nuestra próxima presa.

Parte del ‘loop’ de juego de V Rising, también consiste en hacer cosas de vampiros. El mundo está plagado de entidades que albergan en sus venas un tipo de sangre sumamente especial conocido como la ‘Variante V’ que, al consumirla, nos otorgará nuevas habilidades, además de acceso a nuevas tecnologías. Llegar a los portadores del preciado líquido carmesí no será una tarea fácil. Primero tenemos que rastrearlos siguiendo su esencia, y luego vencerlos en combate para poder saciar nuestra sed de poder. Estos enemigos, a los que podemos catalogar como jefes, son geniales, aunque sumamente desafiantes. Por lo tanto, antes de dar un bocado más grande de lo que la boca nos permite, lo mejor será estar bien preparados. Especialmente porque si caemos en combate, tendremos que volver al lugar en que caímos a recuperar nuestras pertenencias.

Los portadores de la sangre V pueden ser muy desafiantes o demasiado fáciles, aunque ello dependerá de la diferencia de nivel que exista nuestro personaje y el jefe en cuestión. Eso sí, quien busque un gran desafío es libre de enfrentar al enemigo que desee, aún estando varios niveles por debajo. Pero realmente es algo que no recomiendo, a fin de evitar caer presos de la frustración. Por ejemplo, en una de mis andanzas, me encontré con el afamado Simon Belmont, que me sacaba tanta ventaja que me dejó totalmente traumatizado. Que dicho sea de paso, algunos jefes no se limitan a estar en su campamento aguardando por nosotros. Por el contrario, pueden andar por ahí merodeando en busca de pleito. Si habré sufrido con Tristán el Cazavampiros a causa de ello.

En V Rising no subimos de nivel de forma convencional, sino que nuestra fuerza está ligada directamente al equipamiento. Dicho de otro modo, el poder de nuestro personaje lo determina la suma de los niveles de todo lo que llevemos equipado: Desde el arma que tengamos en la mano, hasta las botas. Si bien resulta un tanto extraño al inicio, se torna muy intuitivo con bastante facilidad. Contamos con una gran variedad de armas, desde la clásica espada de una mano, hasta pistolas duales. Además podemos usar varios poderes de diferentes escuelas de magia, como sangre o hielo, conseguimos a medida derrotamos a los jefes. La personalización es tremenda, permitiéndonos elegir en qué cosas enfocarse.

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La gran variedad de sistemas hacen de V Rising un videojuego muy interesante y adictivo gracias a que mantenerse ocupado cumpliendo misiones o siguiendo a algún objetivo, es muy fácil. Siempre tenemos algo para hacer, así sea consumir sangre para conseguir alguna bonificación pasiva. Eventualmente podremos dominar mentes humanas, conseguir seguidores, o simplemente encarcelarlos para tener un suministro de sangre constante. Y es que Stunlock Studios pareciera haber pensado en todo, ofreciendo un título con muchas particularidades remarcables, y tanto contenido que abordarlo al 100% puede tomar una considerable cantidad de horas. Lo comentado, es tan sólo lo que podemos hacer jugando en solitario. Porque también tenemos la posibilidad de jugar en cooperativo o PvP, lo que añade elementos de asedio y algunas sorpresas más. No diré más al respecto porque considero que todo esto se disfruta mejor cuando lo vislumbra uno mismo.

V Rising es un juego que sorprende y cautiva de forma instantánea. El apartado audiovisual es bellísimo, tiene animaciones inmaculadas, y hasta un rendimiento fantástico. La música, la ambientación, la gran cantidad de contenido, y por supuesto, el aspecto cooperativo que puede llegar a integrar hasta cuarenta jugadores hace del trabajo de Stunlock Studios uno a tener muy en cuenta. Tiene absolutamente de todo y difícilmente logre dejar insatisfecho a nadie. Una aventura sanguinolenta en la que cualquier jugador, sea afín al género de la supervivencia o no, encontrará un motivo para quedarse. Tal es así que, una vez concluya este texto, estaré de regreso en este fascinante y tenebroso mundo.

FICHA TÉCNICA:

• Nombre: V Rising
• Desarrolla: Stunlock Studios
• Distribuye: Stunlock Studios
• Fecha de Lanzamiento: 8 de Mayo de 2024
• Plataforma: PC (Steam)

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Pac-Man es un ícono del gaming, a la altura de Mario, Sonic o el mismísimo Ryu y Bandai Namco supo mantener vigente su imagen a lo largo de los años. Los juegos protagonizados por el simpático ‘Puck‘ aparecieron en todas las plataformas desde que existe la consola hogareña y participado en todos los géneros imaginables. Y la fiebre por los Battle Royale del 2020, es algo que la creación de Toru Iwatani no se podía perder, por lo que tuvo varias entregas que se adaptaron a la moda. Pac-Man Mega Tunnel Battle fue una de estas experiencias, la cual hasta entonces era exclusiva de Google Stadia. Sin embargo, luego del cierre de sus servidores en Enero de 2023, poco más de un año después, llega al resto de las plataformas en una versión fiel a la original. Para bien o para mal.

La propuesta es simple: 64 jugadores se enfrentan en una competencia de eliminación directa, cada uno dentro de su propio laberinto, para ver quién suma más puntos. Las reglas son pocas y claras, pero hay un par de mecánicas que condimentan el asunto y le dan identidad al juego. La más importante es la posibilidad de “invadir” el laberinto de un jugador vecino. Para eso debemos esperar que se abra alguno de los portales que nos rodea y simplemente atravesarlo. La sal del asunto es que, además de ir a comerle los ‘pellets‘ o ‘bolitas’ al oponente, podemos quedarnos con sus ‘power ups‘, comerle los fantasmas, e incluso, hasta al mismísimo Pac-Man que controla. Gracias a esto no sólo nos llenaremos de puntos, sino que también le habremos quitado una de sus vidas, poniéndolo en camino a la eliminación.

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La jugabilidad es la de siempre, aunque con un par de agregados que la balancean. Por ejemplo, los Pac-Man que más ‘pellets‘ coman, se volverán más pesados y por ende se desplazarán un poco más lento. A la hora de las persecuciones, podemos ganar un pequeño envión si doblamos rápidamente en las curvas y así evitar que nos atrapen. Este tipo de mecánicas conforman la columna vertebral de Pac-Man Mega Tunnel Battle: Chomp Champs, como así también lo son el puñado de ‘power ups‘ a los que echar mano para asegurarnos la victoria. Éstos aparecen al azar y están codificados por color. Los rojos afectan a los fantasmas y los blancos a nuestro personaje. Pueden aturdir o acelerar a los oponentes, crearnos un escudo para rebotar ataques enemigos, repeler o atraer fantasmas, entre otras tantas cosas.

La esencia del juego es tan fácil de entender que la estrategia para ganar depende directamente de cuán hábiles seamos con el ‘pad‘ y cómo utilicemos los ‘power ups‘. Para sumar puntaje extra, podemos completar misiones que aparecen por tiempo limitado y nos desafían a invadir oponentes, comernos las frutas, fantasmas o Pac-Man en los laberintos rivales. La única herramienta que tenemos para intentar combatir el feroz componente de azar que atraviesa toda la experiencia, es la posibilidad de guardar un ítem para usarlo en el momento más oportuno. Al comienzo las partidas parecen un caos, pero luego de unas horas de juego podemos ver que, en realidad, existe una progresión lógica. Y más importante aún, que pese a lo simple de la propuesta, al final gana el que mantiene la mente fría y los reflejos afilados. 

El apartado técnico es modesto pero cumple en todos los frentes. Es un juego que no necesita vender espejitos de colores. Además, sabiendo que se lo concibió como un exclusivo de Stadia, tiene sentido que mantenga un perfil bajo. Sin embargo, cuenta con un par de melodías pegadizas que acompañan bien la acción y varias opciones de personalización. Para empezar viene con una buena cantidad de accesorios para Pac-Man, desde gorritos, pelucas y anteojos, hasta trajes que cambian completamente su apariencia. También hay diferentes estilos de laberintos, algunos haciendo homenaje a sagas clásicas de Bandai Namco como Dig Dug y otras con temáticas vistosas. Todos los ítems cosméticos se pueden desbloquear con moneditas que ganamos jugando y tienen precios más o menos accesibles. 

El punto débil de este Battle Royale de Pac-Man es la falta absoluta de variedad. Contamos únicamente con tres modalidades de juego, pero en realidad es solo una: sobrevivir en el modo principal. La primera, un tutorial extendido que nos enseña a jugar; la segunda, es el modo supervivencia básico; la tercera, que se desbloquea al alcanzar el nivel 10 de cuenta, es lo mismo pero rankeado. Esto significa que, salvo que nos interese llevar un seguimiento de la cantidad de partidas jugadas y nuestro desempeño, el último modo no tiene casi diferencias con respecto al principal. La primera vez que desbloqueamos un modo conseguiremos unas moneditas extra para seguir comprando cosméticos. El único aliciente para mantenernos jugando.

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En cuanto al funcionamiento, más allá de algunas instancias de lag durante el acceso anticipado, está a la altura de las circunstancias. Como cualquier juego competitivo en red, requiere de una conexión constante a internet para funcionar y no tiene modos ‘offline‘ ni siquiera para practicar. Puede demorar un poco en encontrar partida pero, como es lógico, esto depende de la cantidad de jugadores activos al momento de jugar. Esto nos deja literalmente a merced del éxito que pueda llegar a tener este nuevo Pac-Man. Es decir, mientras haya usuarios conectados vamos a poder jugar. Caso contrario, estaremos obligados a mirar la pantalla, porque si no encuentra partida no nos brinda un plan B para seguir jugando.

Pac-Man Mega Tunnel Battle: Chomp Champs es una propuesta sólida que respeta la esencia de la franquicia. Especialmente en su apartado jugable, el cual transporta bien al género Battle Royale. Es un título ideal para disfrutar de un par de partidas casuales y, en el mejor de los casos, puede general situaciones hilarantes y frenéticas. Sin embargo, la falta de contenido y variedad hacen que la novedad se desgaste demasiado rápido. Seguramente los fans de la mascota oficial de Bandai Namco estarán más que felices de verlo de regreso. Pero el resto de la audiencia, probablemente se quede rápidamente sin razones para seguir jugando luego de un puñado de horas.

FICHA TÉCNICA:

• Nombre: Pac-Man Mega Tunnel Battle: Chomp Champs
• Desarrolla: Amber Studio
• Distribuye: Bandai Namco
• Fecha de Lanzamiento: 2 de Mayo de 2024
• Plataforma: PC (Steam)/PlayStation/Xbox/Nintendo Switch

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Como caído del cielo, entre tanto FPS de corte retro que no termina de cuajar, Mullet MadJack se presenta como una de las experiencias roguelite sumamente adictiva y divertida. Ambientado en el año 2090, en una megaciudad cyberpunk donde el consumismo llegó a niveles insospechados, el entretenimiento vía streaming es el rey y el contenido más solicitado es aquél que expone violencia y actos peligrosos a base de hazañas impresionantes. De premisa simple y unas mecánicas más que asequibles, el trabajo de HAMMER95 logra abrirse paso, a pura patada, plomo y frenetismo, ubicándose en el podio como de las mejores experiencias de 2024, demostrando que es lo que se necesita para triunfar en el género. 

Ostentando un corte ‘mullet‘ y una personalidad super ‘badass‘, Jack, nuestro protagonista, firma un contrato para convertirse en un Moderador. Sin embargo, lejos de ‘banear‘ gente, deberá abrirse camino por los laberínticos pisos de un rascacielos para rescatar a la influencer más famosa del planeta, secuestrada por el líder de una banda criminal de robots multi millonarios. ¿Cómo vamos a hacerlo? disparando a todo lo que se mueva. ¿La recompensa? Un par de espectaculares zapatillas y la ovación de los espectadores. ¿La pega? Solo contamos con 15 segundos de vida (o 10 dependiendo de la dificultad) que se renovará cada vez que eliminemos a un robot o bebamos una lata de soda. El tiempo nunca fue tan valioso.

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En Mullet MadJack no vamos a perder ni un segundo dando vueltas, investigando o buscando llavecitas por el escenario. El objetivo en cada nivel es claro: ir del punto ‘A’ al ‘B’, arrasando con todo, ofreciendo al público un show sin precedentes. Cada robot eliminado nos brinda valiosos segundos para avanzar por el edificio, combinando ataques y encadenando muertes, a fin de asegurar que el temporizador permanezca ‘a tope’. Al finalizar un escenario podemos elegir entre uno de tres potenciadores, como armas, mejoras o habilidades pasivas que otorguen tiempo adicional, entre otros tantos. Y es mejor estar preparados por que cada diez niveles tendremos que hacer frente a un jefe. En medio también tenemos una secuencia que rompe con el ritmo del juego, evitando que se vuelva monótono y repetitivo.

Mullet MadJack es un videojuego que busca saciar nuestra hambre de acción y no decepciona en absoluto. Nos zambulle en su universo, cumpliendo con todas las reglas básicas dignas de un buen ‘shooter‘ descerebrado. Una propuesta que con soltura y simpleza evita caer en el pozo sin fondo de títulos que lo intentan, pero no llegan a su cometido. Establece desde el principio un argumento que, sin ser una locura a nivel guión, es la excusa perfecta para invitarnos a desatar el caos. Nos desafía con el temporizador obligandonos a mantenernos en constante movimiento y sin respiro.

Lo mejor es que ofrece una variedad de armas que no resulta redundante y mejoras que cambian por completo el estilo de juego. Y si bien estas se eliminan luego de completar cada capítulos, nunca se torna aburrido o cuesta arriba el comenzar de cero. Naturalmente, a medida que avancemos, comenzarán a aparecer enemigos más duros y obstáculos que pondrán a prueba nuestros reflejos para evitar recibir daño excesivo o caer al vacío en una muerte segura. Y como dato adicional, podemos realizar ejecuciones con armas a melee, que se sienten extremadamente satisfactorias, tanto por las animaciones que las acompañan, como por aumentar nuestro temporizador.

Un aspecto que destaca muchísimo es la inspiración de Mullet MadJack en el cine, música y videojuegos de los ’80 y ’90. Las referencias son más que evidentes para todos aquellos cultivados en franquicias que hoy en día se consideran obras maestras de culto. Estos guiños están por doquier y son maravillosos, rindiendo tributo a obras como Akira, They Live, Terminator, Demolition Man, y un largo etcétera. Incluso hasta guarda un lugarcito para joyas más contemporáneas como Drive. Prestando un poco de atención es posible identificar estos deliciosos detalles en pantalla, algo que sin lugar a dudas activará el sentimiento de nostalgia.

El apartado visual es otro de los aspectos en que brilla el título. La estética es alucinante, con un arte basado en el anime, repleto de imágenes parpadeantes con colores estridentes que bien justifica el mensaje de advertencia del inicio por posibles episodios epilépticos. Sonoramente no se queda atrás. De hecho, podría decirse que es la guinda sobre el pastel. Todo el frenetismo de la jugabilidad se apoya sobre una banda sonora New Retro Wave que se traduce como el aditivo perfecto para mantener nuestros niveles de dopamina en lo más alto. Sumado a ello, los mensajes en pantalla, los comentarios de Jack, y la voz que evoca nuestras hazañas, es adrenalina pura desde el inicio.

Es menester mencionar que, en las dificultades más altas, resulta frecuente el quedarse estancado. Sucede que todos los niveles, excepto los enfrentamientos con los jefes, están pensados para completarse en cuestión de segundos. A veces sucede que un escenario resulta demasiado enrevesado, mientras que en otras quizá se deba a un problema de diseño del entorno, o incluso hasta por un salto demasiado complicado que demanda de varios intentos. De todos modos, son excepciones. Entonces, tras una hora de juego es fácil notar cuando estamos demorando más de la cuenta. Llegará un punto en que, sin ver el cronómetro en pantalla, sabremos cuando transcurrió más de un minuto. En promedio, completar un piso puede tomar unos 45 segundos aproximadamente.

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Una vez finalizado el título poco o nada resta por hacer con la campaña principal, al margen de desbloquear todos los logros. Eso o pasar algo de tiempo en el modo infinito rankeado donde se combinan todos y cada uno de los peligros y enemigos que enfrentamos en el modo historia. La diferencia es que aquí las armas y habilidades sólo se retienen por diez pisos. También en que podemos dejar grabado nuestro nombre en lo más alto de la tabla de puntuación. Como dato de color, podemos hacer un ‘unboxing‘ digital del propio juego y apreciar -al menos de forma virtual- cómo se vería una edición física de este. Algo que, siendo sincero, se antoja muchísimo.

Mullet MadJack es un ‘shooter‘ que difícilmente deje indiferente a nadie. Pocas cosas se le pueden reprochar al trabajo de HAMMER95, puesto que todo lo hace de manera excepcional: apartado gráfico, arte, sonido, actuación de voz, humor negro y mecánicas. Existe algún que otro detalle puntual en la traducción, pero nada grave.  Es una propuesta que nos inyecta adrenalina directamente en las venas, con una experiencia frenética que se disfruta de principio a fin. Una aventura que pasa velozmente por nuestras vidas, con escenas que brillan gracias a su espectacularidad. El lío en pantalla, los efectos visuales y sonoros, convergen en una obra digna de los ruidosos y, a la vez hermosos, arcades de los ’90.

FICHA TÉCNICA:

• Nombre: Mullet MadJack
• Desarrolla: HAMMER95
• Distribuye: HAMMER95/Epopeia Games
• Fecha de Lanzamiento: 15 de Mayo de 2024
• Plataforma: PC (Steam)

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Crear una colonia, desarrollarla y hacerla crecer, conforma la base de cualquier videojuego de gestión que se precie. Muchos logran dicho objetivo con sistemas simples, entretenidos, donde podemos percibir el progreso con cada una de las acciones realizadas. Títulos en que gestionar no se siente tedioso e innecesariamente complicado, sino que oficia como un incentivo para seguir ampliando ese asentamiento al que tanto cariño hemos tomado. Sin embargo, al tratarse de un tema tan recurrente, cada nueva propuesta que llega para ampliar el catálogo del género está intrínsecamente obligada a buscar variantes a fin de añadir un diferenciador y, paralelamente, mantener el factor de entretenimiento intacto. En el caso de Sweet Transit, son los trenes.

El título desarrollado por Ernestas Norvaišas permaneció en acceso anticipado desde julio de 2022 y si bien muchas cosas cambiaron para mejor desde entonces, otras tantas denotan algo de falta de pulido. Sweet Transit sostiene la jugabilidad sobre dos pilares. Por un lado, nos invita a crear una ciudad y gestionar todos los aspectos de la misma y, por el otro, a trazar eficientes líneas ferroviarias para transportar pasajeros y diversas mercancías. Si bien el foco está colocado sobre los ferrocarriles, la construcción de ciudades es igualmente importante, debido a que tendremos que dedicar tiempo a construir casas, estructuras de producción y, por supuesto, satisfacer las necesidades de los colonos.

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Sweet Transit prescinde de cualquier elemento narrativo, invitándonos a pasar directamente a la acción. Para ello podemos escoger uno de los 12 escenarios predefinidos, donde el objetivo consistirá en alcanzar la máxima puntuación posible definida por un rango de estrellas, o volcarnos hacia el modo sandbox donde tendremos libertad para hacer lo que queramos. A medida que el tiempo pase se desbloquearán nuevos trenes y edificios, cuya construcción debemos hacer con las palabras ‘planificación’ y ‘eficiencia’ en mente. Sin lugar a dudas, algo que atenta contra la libertad creativa y que nos obligará a reiniciar la partida más de una vez.

En términos de gestión, los colonos que pueblan las ciudades se clasifican en tres estratos sociales: Jornaleros, Técnicos y Expertos. Cada uno puede trabajar en cierto tipo de edificios. Por ejemplo, los primeros sólo pueden realizar labores básicas en plantaciones, producción o transporte, mientras que un técnico puede trabajar en una fábrica y, un experto, en edificios que demanden de mano de obra especializada. El problema es que cada grupo, tiene necesidades diferentes. Por lo tanto, para mantenerlos felices estaremos obligados a planear enormes cadenas de producción, a fin de proporcionarles todo lo que necesiten y evitar que abandonen la ciudad.

Los edificios de producción, deben estar cerca de las casas de los trabajadores o de una estación de trenes para poder funcionar. No obstante, si las viviendas están muy cerca de las fábricas, el encanto de la zona disminuye, provocando la disconformidad de los habitantes que no dudarán en marcharse. Esto nos obliga a crear pequeños poblados separados, evitando que las cosas se solapen. Es como si el juego nos penalizara por construir todo en un mismo lugar. Afortunadamente, las cadenas de producción son sencillas de montar y con unos pocos ‘clicks’ es posible hacerlas funcionar. La complejidad de Sweet Transit reside en los trenes. Porque todo lo mencionado debe estar unido a una línea ferroviaria. Pero es gracias a esta mecánica que el juego logra brillar.

El sistema de vías, itinerarios y centros de distribución, están creados específicamente para que podamos hacer lo que queramos. Al construir las vías, podemos marcar el sentido en que queremos que viajen los trenes, poner puntos para que se detengan si hay otro vehículo cerca, haciendo que no queden estancados o tengan tiempos muertos. También es necesario establecer los itinerarios para definir el recorrido y qué hacer en cada estación o centro de distribución, como repartir los bienes y un largo etcétera. Esto, obviamente, si lo hacemos bien. Y por dicho motivo recomiendo encarecidamente jugar todos los tutoriales. En especial los de planificación de vías y alguno (o todos) los escenarios. Estos son puzzles con el sistema de vías, que nos harán aprender a utilizarlos de manera más óptima.

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Si bien el juego ofrece un amplio abanico de opciones en términos de gestión, los menús que acompañan cada acción son muy poco intuitivos. Resulta bastante frustrante el hecho de que el menú de construcción no muestre todo lo que podemos construir, sino que cambia dependiendo de la zona. Entonces, cuando desbloqueamos nuevos edificios, estamos obligados a pasear por todo el mapa para -literalmente- descubrir dónde podemos construirlo. Peor aún, tampoco se nos explica en detalle cómo funcionan ciertas estructuras. Por ejemplo, los centros de distribución reparten alimentos a los mercados de forma automática dentro de un rango determinado, pero no se indica cuál es ese alcance. Tampoco podemos establecer manualmente que el centro reparta a ciertos puntos específicos, ya que solo se puede indicar un lugar.

Como resultado de todo ello, Sweet Transit resulta entretenido, ofreciendo lo básico de un constructor de ciudades, pero complejizando la propuesta, en el buen sentido, con el sistema de vías. De hecho, todo lo inherente a la gestión de los trenes es, por lejos, es lo mejor del juego. Por contraparte, los menús cambiantes y los edificios que no dejan en claro su funcionamiento, denotan una falta de pulido. Algo que atenta contra la diversión, convirtiéndose en un disparador para la frustración. Especialmente, cuando el juego demanda de una minuciosa planificación y eficiencia. Si el trabajo de Ernestas Norvaišas solo consistiera en administrar trenes, estaríamos ante una propuesta más sencilla, pero posiblemente, con un mejor acabado. Aún así, no está mal, pero ahora mismo lo mejor será esperar a que lleguen algunas actualizaciones antes de tomar este tren.

FICHA TÉCNICA:

• Nombre: Sweet Transit
• Desarrolla: Ernestas Norvaišas
• Distribuye: Team17
• Fecha de Lanzamiento: 22 de Abril de 2024
• Plataforma: PC (Steam/Epic Games Store)

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En el vasto océano de imitaciones, secuelas y remakes, en que se está convirtiendo el mundo del videojuego, cada vez que recibimos una propuesta que aspira a ofrecer algo diferente, es más que bienvenida. Pero cuando hablamos de un título que además aborda una temática tabú como lo es la religión, desde una perspectiva filosófica, la cosa se pone mucho más interesante. Indika, el nuevo trabajo de Odd Meter, es una propuesta que marca dichas casillas, aunque más que un juego, se siente como una película de autor. Una pieza de cine experimental, a veces extraña, otras confusa, con una narrativa e imágenes por momentos surrealistas a la par que inquietantes.

Indika es una propuesta que busca intencionalmente hacernos sentir incómodos. Pero, paralelamente es una obra cuyo magnetismo resulta absorbente e impide que nos levantemos de la silla hasta que la aventura termine. El mundo extraño y oscuro que plantea, donde cuestiones como el pecado, la razón y la naturaleza misma de la realidad se exploran en cada diálogo, logran captar la atención a fin de no pasar por alto ni una palabra. Porque, pese a carecer de una jugabilidad atractiva, la propia narrativa convierte al título en algo diferente a todo lo que hayamos podido jugar en los últimos meses.

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Tal es así, que intentar catalogar el juego dentro de un género específico resulta bastante complicado. A priori podría decirse que se trata de una aventura narrativa en tercera persona, con elementos de resolución de puzzles. Sin embargo, es más que eso, puesto que la forma que tiene de explorar los temas que trata, sumado a la distorsionada visión que nuestra protagonista tiene de la realidad, lo convierten en algo distinto. De hecho, la jugabilidad queda relegada a un plano minimalista. Casi a la par de un ‘walking simulator’, donde nos convertimos en testigos de cómo las luchas internas de la joven monja van desmoronando, poco a poco, la cordura que aún le queda.

La historia comienza en un monasterio ubicado en una fría y perpetuamente nevada montaña ubicada en Rusia. Nuestra protagonista, una joven monja que llegó al complejo religioso por cuestiones personales, tiene un historial de escuchar voces en su cabeza. Algo que la convierte en una persona no muy querida. También es el motivo por el cual forzosamente debe abandonar el lugar para llevar una carta a un sacerdote que se encuentra en las cercanías. Sin embargo ¿Es acaso que el resto de monjas detesta a Indika, o se trata de la distorsionada percepción de la realidad que tiene?.

Es difícil profundizar acerca de la historia, porque es el pilar sobre el que se sostiene la experiencia. Sólo decir que el juego explora temas como el pecado, la tentación, las enfermedades mentales y las cuestionables influencias de la Iglesia. Además, si bien el mundo trata con suma crueldad a Indika, pronto aprendemos que no es tan inocente como parece, ni tampoco incapaz de defenderse. En este sentido, Odd Meter no se contuvo a la hora de incluir violencia o hasta contenido sexual en el juego. Como resultado, las 4 o 5 horas que dura el título, se viven con intensidad pero también incomodidad. Particularmente cuando nos volvemos espectadores de secuencias pudorosas que, de forma involuntaria, nos harán quitar la vista de la pantalla.

Gran parte de nuestro viaje cuenta con la compañía de un prisionero llamado Ilya que, según nos cuenta, puede hablar con Dios. Es sumamente interesante ver como la relación de Indika se vuelve cada vez más íntima con este último. Especialmente gracias a momentos emotivos, pero también por las conversaciones que mantienen, donde desde una perspectiva filosófica, abordan temas como la ambigüedad del bien, el mal o la justicia. Dichas interacciones plantean dudas existenciales en nuestra protagonista, las cuales se ven agravadas por la intrusiva voz del Diablo, que luego de cada intervención infunde la dosis justa de incertidumbre en el corazón de la joven monja.

Además de cuestionar las creencias espirituales, el Diablo también tiene el poder de distorsionar los entornos, y sólo rezando podemos restablecer la realidad. Esta es una mecánica que llamó poderosamente la atención en la demostración y que, si bien está presente en la versión final, aparece en contadas ocasiones. Lo cierto es que en realidad se trata de otro recurso narrativo al que el estudio desarrollador apela para comunicar de forma simple y sencilla los conflictos que la protagonista atraviesa. En ocasiones, debemos aceptar dicha realidad para poder avanzar, mientras que en otras la fe y la oración son las que harán lo propio. Una forma sutil de plantear la dicotomía de que el ‘bien’ no puede existir sin el ‘mal’; de que Dios necesita del Diablo, y viceversa.

Por otra parte, también es necesario lidiar con algunos puzles ambientales. A decir verdad, lejos están de sentirse originales o desafiantes, aunque aportan cierta frescura y variedad al juego. No obstante, en lo que a cuestiones lúdicas respecta, lo más llamativo reside en la inclusión de un sistema de subida de nivel. Lo curioso es que, prácticamente desde el comienzo, se nos deja en claro que dicha mecánica no tiene ningún impacto en la aventura, lo cual nos lleva a preguntarnos ‘¿por qué Odd Meter decidió incluirla?’. La respuesta es simple: Indika abraza la de imposibilidad de no hacer que los videojuegos sean lúdicos.

Obtener experiencia coleccionando estampitas, libros o prendiendo velas a cuanto santo nos crucemos, carece de utilidad en términos jugables. Es simplemente un añadido con un efecto placebo. De algún modo nos hace creer que nuestra protagonista se vuelve más fuerte y, eventualmente, recordarnos que estamos en un juego. Pero en un análisis ligeramente más profundo, podría decirse que es una crítica satírica a que hoy por hoy, todos los videojuegos deben incluir -a veces con calzador ese- tipo de mecánicas. Indudablemente, un fantástico detalle por parte del equipo de desarrollo.

Del mismo modo, Odd Meter realizó un interesante trabajo a nivel técnico. Los entornos, además de contar con un nivel de detalle sorprendente, se perciben grises, tristes y solemnes. Algunos segmentos incluso rozan lo dantesco, mientras que lucen deliberadamente sobredimensionados, quizá con el único propósito de hacernos sentir pequeños e indefensos. Humanos. Es llamativo como todo cambia cuando Indika recuerda su pasado, plasmado mediante secuencias pixel art mucho más coloridas que crean una disonancia visual que invita a pensar que nuestra protagonista vivió días mejores.

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En cuanto a la banda sonora, compuesta por Mike Sabadash, el trabajo realizado es muy interesante. Emplea una mezcla de silencios inquietantes con melodías electrónicas cuyo marcado estilo 8 bits de algún modo refleja el deterioro mental de Indika. Respecto de las actuaciones de voz, el trabajo realizado por los actores de doblaje es fantástico. Es una pena que la sincronización de labios e incluso las animaciones de los personajes no acompañe como debería. Como detalle adicional, y si se acepta la sugerencia, lo mejor es disfrutar el juego con las voces en ruso y subtítulos en español.

Indika es un título muy particular, extraño y surrealista. Una propuesta cuya narrativa ambigua, nos deja con más preguntas que respuestas, pero paralelamente pensando en lo interesante que resulta el mundo del videojuego como medio de comunicación. No es un juego para todo el mundo. Si sólo nos limitamos a ver al trabajo de Odd Meter como una mera experiencia jugable, no hay mucho que destacar. Pero cuando apreciamos el título desde una perspectiva más amplia, resulta muy fácil darse cuenta que el estudio ruso pretende ir más allá, invitándonos a sumergirnos en un viaje único, raro y emocionalmente impactante.

FICHA TÉCNICA:

• Nombre: Indika
• Desarrolla: Odd Meter
• Distribuye: 11 bit studios
• Fecha de Lanzamiento: 2 de Mayo de 2024
• Plataforma: PC (Steam)

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Si bien Dead Island 2 no logró mantenerse en la discusión de los mejores juegos de 2023, no puede negarse que el trabajo de Dambuster Studios es fantástico. La combinación entre una historia digna de una película ‘Clase B’, sumada a una jugabilidad atractiva, lograron que eso de matar zombies siga sintiéndose muy divertido. A fin de mantener viva la experiencia, el equipo de desarrollo nos invitó a regresar a Hell-A con Haus, un DLC disfrutable, aunque escaso de contenido. Ahora, junto con el debut del título en Steam, también nos llega SoLA, el nuevo e hipotéticamente último paquete de contenido que recibirá el juego, el cual ofrece más novedades que la expansión anterior, aunque lejos queda de darnos el cierre que esperábamos.

SoLA nos traslada a un popular festival de música, que se convierte en el escenario principal donde continuamos partiendo cabezas zombis. Este segundo DLC para Dead Island 2 sube la vara respecto a Haus, mejorando en muchos aspectos. Por contraparte, lamentablemente cae en los mismos desaciertos. Es decir, nos encontramos con una experiencia, mucho más sólida y disfrutable, pero también un tanto decepcionante.

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En términos jugables, SoLA mantiene un nivel similar a la experiencia base. La acción es constante, tenemos libertad para explorar el nuevo mapa, además de nuevas armas y habilidades. También se incporporan dos tipos de enemigos que añaden ‘picante’ y variedad a los encuentros. De hecho, uno de los puntos destacables del DLC reside en la dificultad, tanto a partir de la aparición de estas nuevas especies de zombis, como en el diseño de algunos desafíos a los que debemos hacer frente a lo largo de la breve, pero intensa campaña.

Gracias a ello, SoLA no solo nos regala momentos memorables, sino que también que nos hace sudar la gota gorda con ciertos combates realmente exigentes. En estos enfrentamientos, hacer uso de todas nuestras habilidades y recursos a nuestra disposición, se vuelve imprescindible. Esto deja en evidencia que el DLC está pensado para aquellos que hayan dedicado varias horas al juego base. Pero, por contraparte, puede resultar un poco frustrante para los recien llegados. Sea como sea, es algo que los jugadores veteranos que quieran poner a prueba a sus personajes de máximo nivel, sabrán apreciar.

La campaña no es muy larga. Ronda entre las cuatro o cinco horas, aunque depende mucho de que tanto nos frenen los saltos en la dificultad. Afortunadamente, el nuevo mapa es lo suficientemente grande y abierto como para dedicarle una buena cantidad de tiempo a explorar y realizar actividades secundarias. Si bien el festival no es tan interesante en cuanto al diseño visual y concepto, como sí lo era la mansión de Haus, poder recorrerlo con total libertad compensa su aspecto genérico, que no destaca demasiado respecto a otras zonas que ofrece el juego base.

El aspecto decepcionante de este nuevo episodio radíca en el mismo que adolecía Haus: La historia. Sin embargo, wl punto positivo es que SoLA hace un esfuerzo por mejorar la narrativa. Tal es así, que el DLC añadie más cinemáticas, algunas de ellas en tercera persona, y se toma el tiempo para presentar situaciones y personajes. Pese a ello, no consigue soliviar el heho de que Dead Island 2 concluye con un final abierto que nos dejaba expectantes en medio del clímax.

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Haus, expandía el trasfondo del juego, añadiendo mucho contexto respecto a la situación general del mundo y algunos personajes, pero lejos estaba de continuar la historia. Y ahora SoLA sigue en esa misma tesitura. Por lo tanto, Dead Island 2 sigue teniendo un final abierto, con muchas interrogantes en el aire, y este DLC, que si bien brinda basntate información, sigue sin darnos las respuestas que estábamos esperando. Honestamente, desconozco si desde Dambuster Studios tienen pensado lanzar algo más de contenido para el juego. Sería una pena que nuestra estadía en Hell-A termine de este modo.

Como resultado, la experiencia termina por sentirse un tanto agridulce. Por un lado, mantiene el nivel de excelencia con que Dead Island 2 nos sorprendió en su momento. Por el otro, es decepcionante que este nuevo DLC nos vuelva a negar la posibilidad de poder dar un cierre a la historia principal. La jugabilidad sigue siendo sólida, como en su mejor momento, y el nuevo escenario ofrece el marco ideal para disfrutar de un show desplegando todas nuestras habilidades. Y es justamente eso lo que hace de SoLA un muy buen capitulo. Uno que nos permite seguir haciendo aquello en lo que el juego destaca: Romper cabezas de zombis y abrirnos paso entre hordas de muertos vivientes.

FICHA TÉCNICA:

• Nombre: Dead Islan 2 – SoLA
• Desarrolla: Dambuster Studios
• Distribuye: Deep Silver
• Fecha de Lanzamiento: 22 de Abril de 2024
• Plataforma: PC (Steam/Epic Games Store)/PlayStation/Xbox

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Mucho antes de convertirse en una figura controversial gracias a declaraciones como ‘Fuck the Oscars’, e incluso de traernos joyas como A Way Out o It Takes Two, Josef Fares fue el responsable de dar vida a al fabuloso Brothers: A Tale of Two Sons. Cuesta creer que, desde entonces pasaron más de 10 años, pero la emotiva historia sobre la familia, la pérdida y el compañerismo, logró marcar a fuego a toda una generación. Resulta curioso que, pese a la excelente calidad del juego y del tiempo transcurrido desde su lanzamiento, dicho nombre nunca estuviera presente en las conversaciones de remakes. Sin embargo, y a pesar de que nadie lo pidió, hoy tenemos Brothers: A Tale of Two Sons Remake entre nosotros; una reimaginación que nos recuerda por qué el título logró ganarse el amor de tantos jugadores.

Brothers: A Tale of Two Sons Remake ofrece una experiencia similar a la original en todo sentido. Es un detalle que resulta llamativo, dada su condición de ‘remake’. Pero no, la jugabilidad y la historia no sufrieron cambios, aunque los protagonistas y los entornos se ven mejor que nunca. Quizá podríamos caer en el error de pensar que las cosas deberían ser diferentes. No obstante, lo cierto es que el juego funcionaba antes, y funciona ahora, puesto que toca todas las notas correctas. Al fin y al cabo ¿Para que intentar arreglar lo que no está roto?.

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El caso es que el título original presentaba una narrativa increíble, con diálogos construidos a base de onomatopeyas, pero sumamente expresivos. Una historia donde dos niños, emprenden el camino de la madurez y la responsabilidad. Uno donde hacen todo lo necesario para salvar a su padre. Cada uno de los niveles que conforman la travesía, ponen foco en resaltar el amor y la confianza, a la vez que construye no sólo un vínculo entre los hermanos, sino también con nosotros como jugadores. 

Como resultado, haremos todo lo posible para proteger a los hermanos en su travesía por conseguir la medicina necesaria para que su papá siga con vida. Al igual que hace una década, comenzamos transitando los verdes prados que circundan un pequeño poblado, para adentrarnos en espesos bosques, una mina abandonada, y hasta por un peligroso y sangriento campo de batalla. El camino también está lleno de personas y criaturas amistosas, cuyas vidas cambian al cruzar camino con nuestros protagonistas. Algunas, tienen finales felices, mientras que otras nos arrancarán unas cuantas lágrimas sin siquiera darnos cuenta. Porque sí, los momentos dramáticos impactan con la misma fuerza que antaño.

La remake hace uso del Unreal Engine 5, con lo cual el título que se veía espléndido en su día, luce todavía mejor. Es decir, mantiene ese estilo que recuerda a un cuento de hadas, pero añade numerosos detalles en cada uno de los aspectos que conforman un mundo verdaderamente hermoso. Cada lugar que visitamos se siente único y muy pintoresco. La banda sonora también presenta mejoras que realzan el tono épico que impregna el periplo de los hermanos. Y es que al fin y al cabo, esta remake se siente como un refinado trabajo de chapa y pintura, que moderniza el juego, pero sin que este pierda su identidad.

Otro aspecto que Brothers: A Tale of Two Sons Remake mantiene intacto es el sistema de control, que nos permite controlar a los personajes de forma independiente. La magia vuelve a hacerse presente en este sentido, con segmentos en los que debemos  trabajar con los dos hermanos al unísono para avanzar. El diseño de los rompecabezas y las originales formas de resolverlos, aportan ese grado de dinamismo que, una aventura volcada hacia la narrativa, tanto necesita. Cierto es que dominar el mando puede tomar algo de tiempo y práctica. Hasta entonces, no serán pocas las ocasiones que la falta de coordinación nos jugará malas pasadas, estando obligados a repetir varios segmentos.

Una nueva característica que añade la remake es el modo cooperativo. Entonces, en lugar de jugar solos, podemos hacerlo con un amigo y controlar un personaje cada uno. Esto hace que la experiencia sea mucho más cómoda y amena. Básicamente, porque la cantidad de errores involuntarios, disminuye drásticamente. Cabe destacar que también se incluyen varias características de accesibilidad para permitir que todo el mundo pueda disfrutar de la experiencia.

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Claro está que no todo son elogios y en el ímpetu de mantener todo intacto, el título arrastra cuestiones que, si bien no tienen peso contundente en la valoración, están ahí. La remake -al igual que el juego original- pone mucho más énfasis en la historia que en la jugabilidad. Como resultado, el desafío es prácticamente nulo y en un máximo de 3 o 4 horas, podemos dar el viaje por concluido. Por otra parte, y derivado de lo anterior, no existe un motivo real para rejugar la aventura. De hecho, tan sólo una pasada alcanza para desbloquear todos los logros. Nada particularmente grave, y a decir verdad, los aspectos ‘negativos’ palidecen en comparación con la experiencia general.

Brothers: A Tale of Two Sons Remake ofrece un viaje fantástico, tan increíble como el de 2013, pero completamente renovado a nivel técnico. Su conmovedora historia, la jugabilidad variada y su esquema de controles único lo convierten en una experiencia singular. Una que si bien no ofrece cambios notables o suficientes incentivos para traer de regreso a quienes disfrutaron del original, se presenta como una excelente oportunidad para todo aquel que desee darle una oportunidad a día de hoy. Sin lugar a dudas, la mejor forma de disfrutar de esta auténtica joya.

FICHA TÉCNICA:

• Nombre: Brothers: A Tale of Two Sons Remake
• Desarrolla: Avantgarden Games
• Distribuye: 505 Games
• Fecha de Lanzamiento: 28 de Febrero de 2024
• Plataforma: PC (Steam/GoG/Epic Games Store)/PlayStation 5/Xbox Series X|S

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La taberna es el punto de encuentro por excelencia de todo RPG. Es allí donde los compañeros de armas suelen conocerse, dando inicio a innumerables aventuras. Por dicho motivo, y en un intento de expandir aún más la propuesta de Wartales, Shiro Games apuesta por añadir un toque de simulación y gestión al excelente RPG, permitiéndonos regentear nuestro propia taberna. No obstante, dicho de forma brusca y sin rodeos: The Tavern Opens! resulta difícil de recomendar. Es un añadido muy particular, interesante aunque no demasiado profundo, que se siente prescindible, e incluso -me atrevería a decir- algo decepcionante.

The Tavern Opens! nos da la posibilidad de abrir nuestra propia taberna. Aunque parece una idea algo ‘alejada’ al concepto de juego origina, no desentona en absoluto. Más si tenemos en cuenta que una de las virtudes de Wartales es la libertad que ofrece respecto al rumbo deseemos tomar en el largo camino al éxito de nuestra compañía de mercenarios. Ya el primer DLC nos permitía embarcarnos en los mares añadiendo mecánicas completamente nuevas, y esta segunda pieza de contenido sigue con la misma tónica pero enfocada mas en la gestión, y menos en la exploración y el combate.

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Ahora, si bien la idea funciona a nivel básico, lamentablemente carece de la complejidad suficiente como para que resulte una experiencia totalmente nueva y propia. Dicho de otro modo, el contenido que ofrece el DLC se siente poco mas que un pequeño añadido, una mecánica nueva secundaria con la que interactuar mediante la inversión y obtención de recursos. Pero, al margen de ello, nunca gana la consistencia suficiente como para convertirse en un verdadero plato fuerte.

En The Tavern Opens! podemos regentear nuestra propia taberna. Es decir que la ‘acción’ se aleja del mundo abierto de Wartales para llevarnos al interior de un establecimiento en decadencia. Lo primero es elegir el nombre y a partir de ahí será posible modificar las instalaciones, preparar el menú y administrar los recursos necesarios para mantener el negocio a flote. Además tenemos que contratar y asignar empleados y ajustar precios. De más está decir que todos los recursos invertidos en el emprendimiento regresarán en forma de ganancias que podemos usar para mejorar nuestra compañía de mercenarios.

Por otra parte, también es posible atraer a determinado tipo de público al establecimiento, pudiendo convertirlo en el rincón más reluciente de la ciudad, o en un tugurio lleno de bandidos. En ese sentido, las posibilidades están a la orden del día. Y a todo esto, resulta interesante que la gestión no interfiera demasiado con todo lo relacionado fuera de la taberna. Tal es así que Shiro Games parece haber diseñado el contenido como para no alejarnos lo suficiente del juego base, y más como un incentivo adicional para mantenernos ocupados entre batalla y batalla.

La taberna también ofrece otros beneficios fuera de lo monetario. Por ejemplo, la capacidad de entrenar a nuestras tropas en distintas profesiones de manera pasiva. Todos los elementos funcionan bien y se nos da la libertad suficiente como para administrar nuestro establecimiento a gusto. El problema es que nunca se convierte en una experiencia en si misma. No llega al nivel de complejidad que ya de por sí ofrece el propio Wartales, o incluso el anterior DLC. Al final, volvemos a lo mismo: no deja de sentirse como otra actividad secundaria entre las tantas que ofrece el juego.

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La dificultad a la hora de recomendar el DLC viene por esa falta de profundidad y lo especifico de su temática. Quien no tenga interés en todo lo que sea gestión, no encontrará mucho de lo que agarrarse aquí. Por otro lado, si lo que se busca es una experiencia mucho más centrada en la administración de recursos y la simulación, la falta de complejidad puede llegar a sentirse decepcionante. En otras palabras, es un contenido que queda a medias tintas, puesto que no nos permite centrarnos en la taberna al 100%, ni mantener una vida pacifica lejos de la violencia. O quizá esto último sí, pero sólo por un ratito.

The Tavern Opens! es un DLC pequeño, con un contenido muy particular y especifico. Suma para quien quiera más Wartales, pero que difícilmente llegue a satisfacer a todo aquel que busque una experiencia profunda. Cierto que es que contamos con varias opciones de personalización y algo más para hacer cuando necesitamos tomar un respiro del combate. Lo bueno es que no hace falta comprometerse con algo que no deseamos. Tampoco se justifica comenzar una partida de cero, sólo para gestionar el establecimiento. Al fin y al cabo, es un añadido opcional y no un juego completo. La recomendación sería esperar a una buena rebaja antes de abrir las puertas de la taberna.

FICHA TÉCNICA:

• Nombre: Wartales: The Tavern Opens!
• Desarrolla: Shiro Games
• Distribuye: Shiro Unlimited
• Fecha de Lanzamiento: 18 de Abril de 2024
• Plataforma: PC (Steam/GoG)

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Slipgate Ironworks es una desarrolladora que mediante numerosos y curiosos títulos, busca adaptar el ‘boomer shooter’ a los tiempos modernos. Cada nueva propuesta parece nutrirse de los clásicos de antaño como DOOM, Duke Nukem o Quake, intentando llevarnos de regreso a aquellos días donde pasábamos horas frente a la pantalla, entre baños de sangre y personajes gamberros con diálogos blasfemos. Es un estudio que deja muy en claro su objetivo, mediante el uso de una estética marcada y características particulares con las que buscan posicionar cada uno de sus videojuegos en ese panteón donde se encuentran los mejores exponentes del género. Con Phantom Fury el estudio busca cumplir su cometido, trayendo de regreso a la reina, Shelly «Bombshell» Harrison, para dar inicio a una nueva matanza que no dejará ni a un solo enemigo sin plomo en sus entrañas. Pero ¿Es esto suficiente?.

La historia transcurre varios años después de los acontecimientos de Ion Fury. Shelly Harrison despierta en medio de un mundo en caos, donde rápidamente recibe la misión de salvaguardar un artefacto sumamente peligroso conocido como Demon Core. Toda la trama se desarrolla en segundo plano y será necesario ingresar a las terminales para recibir más información acerca de lo que acontece. Si bien las tramas en los boomer shooter no destacan por descubrir la pólvora, en esta ocasión está bastante bien planteada. De hecho, se vuelve especialmente interesante durante las últimas horas, donde descubrimos qué ocurrió con la protagonista luego de la lucha contra Jadus Heskel.

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Como es de esperar, Phantom Fury ofrece una campaña clásica sin desviarse en innecesarias modalidades multijugador o pases de batalla. Es un shooter de pura cepa que no pierde el tiempo en cosas muy locas o rebuscadas. Aquí estamos para repartir plomo y eso es lo que hacemos, desde el inicio hasta el desenlace. El ritmo de combate recuerda mucho a Serious Sam, con recurrentes oleadas de enemigos en un mismo escenario y emboscadas en las que la mejor consiste en mantenerse en movimiento constante, sin parar de jalar del gatillo.

Phantom Fury hace uso de Unreal Engine 4, motor mediante el cual consigue plasmar una estética típica de los ‘shooters‘ de comienzos de los 2000, pero mezclando elementos 3D con texturas de pixeles gruesos que le sienta muy bien. Visualmente es un deleite, y pese al diseño de algunos NPC que se sienten algo lavados y desentonan con el resto del juego, la dirección artística es consistente. Sobresale gracias a detalles cuidadosamente ubicados en los escenarios, que los vuelven muy reactivo a nuestra intervención. Los efectos de partículas, iluminación, paleta de colores y diseño de niveles destacan notablemente durante los primeros compases del título y se sostienen gratamente hasta el final.

Los escenarios exteriores son inmensos y más llegados al final alucinamos con esa derruida ciudad futurista con luces de neón por todas partes. Algunos entornos resultan muy familiares, y esto se debe a que Half-Life Black Mesa es la principal inspiración del juego, aunque bebe de muchos otros FPS legendarios. Algunas referencias son muy evidentes, como por ejemplo máquinas expendedoras con la imagen de un Cacodemon, mientas que otras están camufladas con el entorno. También, es posible identificar ciertos ‘gags‘ o locaciones propias del mundo del cine. Esto es claramente perceptible en algunas las líneas de Shelly, los textos de las terminales, o un nivel de un bar que recuerda muchísimo al visto en Del Crepúsculo al Amanecer, el film de Robert Rodriguez.

El diseño de los niveles es algo lineal, aunque no será raro perdernos. Además, debido a que es posible interactuar con prácticamente todos los elementos del entorno, es bastante frecuente pasar algo de tiempo buscando aquellos relevantes para el desarrollo de la aventura. No hay nada que destaque en el ambiente, más allá de las llaves o tarjetas. Esto es un claro error de diseño, porque en varias ocasiones estaremos obligados a recorrer diez veces el mismo pasillo o habitación, tratando de dar con aquello que buscamos. Si bien no hace falta una señalización como los horrendos bordes con color amarillo de Final Fantasy VII Rebirth, es algo que fácilmente pudo solucionarse con un sutil brillo o destello que llame la atención.

Pese a ello, Phantom Fury un título que debido a su naturaleza, nunca nos lleva de la mano. Tampoco pierde tiempo explicándonos todo como si fuéramos tontos. Se nota que la intención de Slipgate Ironworks es que los propios jugadores busquen formas creativas de resolver los acertijos planteados, ya sea mediante el uso de las físicas o del propio ingenio. Generalmente, los problemas cuentan con más de una solución. Por ejemplo, en algunos ocasiones, para avanzar, podemos acortar camino apilando cajas y barriles para sobrepasar un obstáculo, mientras que en otras será necesario manipular una grúa o un arma de energía.

Sin embargo, la exploración en general falla estrepitosamente y es el mismo título el que se pone el palo en la rueda mientras pedalea. Es curioso porque en un principio se nos incentiva a buscar formas creativas de superar determinados obstáculos o superar un nivel. Pero cuando comenzamos a creernos los reyes del mundo, el juego nos da una bofetada que nos devuelve a la realidad estableciendo límites arbitrarios con paredes invisibles que tiran abajo lo mismo que propone. Como detalle adicional, cabe mencionar que estaría bien que los niveles enseñaran un panel de estadísticas al finalizarlos, para así tener una idea clara de cuantos secretos o artefactos nos saltamos durante el avance.

El combate, es muy simple y repetitivo, al punto de abrazar la monotonía. Contamos con diecisiete armas que componen nuestro arsenal. Algunas de ellas más interesantes y divertidas que otras, como es natural, pero también muchas que resultan muy redundantes. El diseño de enemigos tampoco ayuda demasiado. Es decir, si bien resultan variados, están muy poco inspirados y su IA peca de un nivel de torpeza que los vuelve aburridos. Parece como si hubiera momentos en que tienen lucidez y actúan acorde a lo esperado, mientras que en otras ocasiones se mantienen tiesos en su lugar hasta que pasemos a medio metro de ellos, para recién ahí comenzar a luchar.

Indistintamente del enemigo que nos crucemos, todos se rigen por la misma regla: acercarse a nosotros en línea recta. En el caso de los zombis es entendible, pero no tiene mucho sentido cuando soldados -presuntamente entrenados- también ejecutan dicha acción. Rara vez los veremos tomar decisiones tácticas como utilizar coberturas o intentar flanquearnos. La dificultad en cada enfrentamiento se ve reflejada en el número de enemigos en pantalla, unos muy cuestionables ‘hitbox‘ y, por supuesto, en nuestra puntería. Respecto a esto último, recomiendo ajustar las configuraciones de sensibilidad del mouse, el desplazamiento de la cámara y el auto apuntado, puesto que las opciones que vienen por defecto se sienten algo ‘toscas’.

Lo más divertido en este sentido, es el brazo biónico de Shelly. Gracias a dicha herramienta, a las mejoras que podemos desbloquear y nuevas habilidades que se incorporan conforme avanza la historia, los enfrentamientos en general, se vuelven más versátiles y entretenidos. Además, podemos conseguir aumentos que pueden aplicarse al brazo robótico, al traje de poder o a las armas, permitiéndonos definir nuestro estilo de juego. De este modo, nuestra protagonista puede convertirse en un tanque que absorbe mucho daño, o en una ágil acróbata que utiliza el entorno a su favor haciendo barridas y saltos locos por todas partes mientas esquiva proyectiles. Un añadido interesante que aboga por la variedad.

A lo mencionado, se suman algunos segmentos que buscan mantener fresca la experiencia, donde conducimos vehículos. Tenemos una sección de persecución terrestre a bordo de una camioneta, un tanto aparatosa, pero que cumple. Luego, un tramo a bordo de un submarino, que si bien no destaca, tiene lo suyo. Ahora bien, el nivel que pilotamos el helicóptero, prometía mucho. Los trailers e imágenes promocionales dejaron ver algo que, sobre papeles, es una gran decepción porque se trata de un segmento sobre rieles. Es una pena, porque tiene momentos en los que pareciera aumentar la adrenalina. Pero, al no tener el control del vehículo, no podemos experimentar absolutamente nada con él. Al final, todo se limita a sentarse, observar y disparar.

El título solo cuenta con guardado automático, por lo que estamos atados a los checkpoints establecidos en el juego. Algo que posiblemente puede jugarnos en contra, y lo digo por experiencia. En determinado momento sucedió que la partida se guardó en un pésimo momento. Concretamente, luego de atravesar un umbral en el que me vi rodeado de enemigos. Resta decir que esto hizo que mi ‘respawn‘ se convirtiera irremediablemente en un ‘insta kill‘. Si bien pude sortear dicha situación, la opción alternativa era seleccionar un punto anterior de guardado o reiniciar la misión desde cero.

Phantom Fury también adolece de otras carencias, como el apartado sonoro, carente de brillo y que no transmite absolutamente nada. No existe ni una canción o melodía memorable que podamos identificar como el tema principal. Incluso en la pantalla de inicio, se optó por unas notas aburridas; algo que se mantiene en el resto de la experiencia. Este aspecto es un lastre en sí mismo porque además de sentirse absurdamente monótono, debería ser uno de los elementos característicos que imbuya de potencia a la aventura. Pero lejos de ello, nos encontramos recorriendo escenarios bajo asedio constante, con un ‘soundtrack‘ que nunca estalla, sobresale, o emociona.

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De igual manera ocurre con los efectos sonoros. Los sonidos ambientales están bien, las actuaciones de voz de nuestra protagonista y algunos NPS son sobresalientes. Y ahí paramos de contar. El sonido de las armas carece de emoción y contundencia. Al igual que sucede con la música, esto se siente como un downgrade en relación a su predecesor, Ion Fury. Las animaciones son muy buenas, pero el audio es más bien débil. Para más inri, en las estaciones de mejora podremos aumentar la velocidad de recarga de las armas, sin embargo el sonido asociado a dicha acción está completamente desfasado y a velocidad normal. Este es un simple detalle, pero incluso siendo uno pequeño no logra pasar desapercibido.

Phantom Fury es un título digno, como mucho, y gran parte de ello se debe a la diversidad del arsenal, escenarios y ambientación. Sin embargo, puesto bajo una lupa exigente, podemos encontrar detalles que evidencian un desarrollo apresurado. Esto se nota particularmente en el descuido en cuanto al aspecto sonoro, el combate, y la variedad e IA de enemigos. Tratándose de un ‘boomer shooter‘ es inadmisible que su jugabilidad, que debería destacar por ofrecer frenetismo y creatividad para sembrar el caos, recaiga en la redundancia. Todo ello sin mencionar algunos ‘bugs‘ y ‘glitches‘ que rompen bastante la experiencia. Como resultado, la nueva aventura de Bombshell deja sensaciones mixtas. Aún así, se deja jugar, aunque quizá sería bueno esperar a una rebaja para darle una oportunidad.

FICHA TÉCNICA:

• Nombre: Phantom Fury
• Desarrolla: Slipgate Ironworks
• Distribuye: 3D Realms
• Fecha de Lanzamiento: 23 de Abril de 2024
• Plataforma: PC (Steam)

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Sand Land es un juego que, sin malicia, promete y engaña. Un juego que hasta puede decepcionar si se lo encara con poca o nula información. Su estructura de mundo abierto y la vasta cantidad de mecánicas, puede predisponer a cualquiera a esperar un tipo de experiencia que se termina alejando respecto a lo que finalmente ofrece. Es uno de esos títulos que, dependiendo desde donde se lo aborde, puede ser una grata sorpresa o una total decepción. Una propuesta que tiene ideas y momentos fantásticos, pero que se siente más como un tributo a Akira Toriyama que un videojuego per se.

En virtud de lo mencionado, podemos caer en la sensación de que Sand Land no salió como se esperaba. Que estamos frente a un mal juego. Y no, eso no es así. Pero desglosemos todo lo que el título tiene para ofrecer. El título nos pone en la piel de Beelzebub, el príncipe de los demonios, que junto a su camarada Thief, y el sheriff humano Rao, se embarcan en la búsqueda de una fuente de agua legendaria, con la esperanza de traer prosperidad a la tierra que da nombre al videojuego.

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La historia se desarrolla en un vasto mundo abierto azotado por la guerra y la sequía. Un desierto lleno de peligros, que van desde bestias a grupos de bandidos, pero todos con una estética que grita Toriyama a los cuatro vientos. De más está decir que esto no sólo se percibe en el diseño de personajes y los vehículos, sino también en el guion y el humor que lleva adelante la historia. Y es que Sand Land es, en primer lugar y sin ningún tipo de duda, una gran adaptación que toma la obra del difunto ‘mangaka‘ y la traslada a un medio diferente, plasmando el arte y el carisma de los personajes y del propio mundo. Ahí es donde el juego brilla, siendo todo ello el motor que lo sostiene y lo lleva adelante.

Ahora, si analizamos el juego simplemente como una experiencia interactiva de mundo abierto, puede llegar a decepcionar. Sand Land se siente vacío, con actividades secundarias escasas y repetitivas. De hecho, hay muy poco incentivo para salirse de la trama principal y explorar por nuestra propia cuenta. Lo mismo se puede decir de los distintos sistemas y mecánicas. Con un decente árbol de habilidades para Beelzebub y sus compañeros, y un robusto sistema de personalización para los distintos vehículos, el juego promete más de lo que ofrece.

El caso es que más allá de todas las opciones, el juego nunca nos pone a prueba al 100%. La mayoría de los encuentros contra enemigos resultan simples y repetitivos, y el combate se siente carente de profundidad. En especial porque disponemos de un amplio abanico de vehículos y una gran cantidad de opciones de personalización, tanto en su funcionalidad como en aspecto. Tal es así que todo el sistema de recursos gira alrededor de la modificación y optimización de estas máquinas, que van desde tanques y motocicletas, a mechas. Por eso resulta un tanto anticlimático que, al final del día, tengan tan poco impacto en lo que a acción se refiere.

Este último aspecto puede llegar a ser el más decepcionante ya que es el que más promete. Sin embargo, por contraparte, los vehículos mantienen una utilidad específica en todo lo inherente a la exploración. Y es que además de utilizarlos como medio de transporte o herramientas de guerra, los vehículos pueden ayudarnos a alcanzar zonas aparentemente inaccesibles, e incluso a hacer mucho más llevadera la navegación en el mapa, diferenciándose tajantemente en cuanto a su funcionalidad. Pero estos elementos, que no se sostienen por sí mismos, ganan peso cuando tomamos a Sand Land menos como un videojuego y más como la adaptación de una novela visual.

Lo que esto quiere decir es que gran parte del disfrute está condicionado con cuanto conectemos con los protagonistas, sus historias y el mundo. La exploración gana mucho cuando la hacemos a partir de la alguna misión secundaria, las cuales a su vez ganan importancia ya que afectan la progresión de nuestro pueblo-base, que también tiene gran relevancia narrativa. El vasto desierto, tedioso de navegar por momentos, cobra un sentido diferente como escenario de la trama principal, convirtiendo a ese yermo vacío en una parte integral de su identidad, como temática del conflicto.

El punto principal sobre el cual se sostiene Sand Land es su historia, los diálogos y sus personajes. Navegar una de las tantas cuevas genéricas que pueblan el mapa, gana toda una nueva dimensión cuando lo hacemos incentivados por ver cómo continúa la trama personal de algún personaje que nos pida ayuda en nuestros viajes. El mundo abierto funciona menos como un campo de juegos en el cual perdernos y más como un gran escenario en el cual se desarrollan estas historias.

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Para un fan de la obra de Toriyama, Sand Land cumple a la hora de dar vida a sus personajes carismáticos, a sus absurdos diálogos y ridículas maquinarias. El humor está siempre presente, así como también la humanidad y el drama que nos hacen conectar con los protagonistas y su mundo. Si reducimos al juego simplemente a un conjunto de mecánicas, entonces nos encontraremos con una experiencia carece de fuerza y profundidad. No obstante, es cuando nos dejamos llevar de la mano de su narrativa que todo cobra sentido. Y de pronto, todo se vuelve mucho más disfrutable.

Sand Land puede no ser del gusto de quien esperaba una experiencia muy profunda en cuanto a mecánicas y un desafío en términos de dificultad. Tampoco para quien buscase sumergirse en un mundo plagado de actividades y secretos que descubrir a cada paso. Por el contrario, es un juego que dejará satisfecho a los seguidores de la obra original y de su excelso autor. Pero también a todo aquel que busque disfrutar de una experiencia que se vuelca a la narrativa. De ser así, encontrarán aquí no sólo un videojuego que vale la pena experimentar, sino también una propuesta indispensable para los fans del manga. Y por sobre todo, un gran tributo para el propio Akira Toriyama.

FICHA TÉCNICA:

• Nombre: Sand Land
• Desarrolla: ILCA, Inc.
• Distribuye: Bandai Namco
• Fecha de Lanzamiento: 26 de Abril de 2024
• Plataforma: PC (Steam)/PlayStation/Xbox

La entrada SAND LAND – Análisis se publicó primero en Orden del Pixel.